le trop dark knight et le pas assez super man

Plus grand démarrage de l’histoire (166 millions pour son premier week-end) et pourtant l’une des pires critique pour un film de super héros, Batman V Superman : l’aube de la justice, aussi imparfait soit-il, ne mérite vraiment pas le tombereau de merde qui lui tombe dessus depuis sa sortie. Le film semble payer pour tous les blockbusters médiocres qu’Hollywood nous a pondu ces dernières années et qui avaient bénéficié de l’indulgence des fans. Totalement étrillé par toute la critique, ce crossover Batman/Superman nous a fait, à MacBrains, plutôt bonne impression.

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Laissant au brutal Zack Snyder non seulement la réalisation du reboot de Superman Man of Steel et de cette suite/spin off mais aussi le rôle de gardien du temple de tous les films de son univers ciné à venir (job identique à celui de feu-Joss Whedon pour Marvel), la firme DC Comics a pris le contrepied de son concurrent de toujours en décidant de se positionner dans un axe moins « comédie légère/personnages kékés/punchlines/couleurs fluo » et plus « dark/adulte/filtre bleu/postures iconiques/on questionne la légitimité des supers héros ». Choix intéressant mais Snyder, réal capable du pas mal (Watchmen)  comme du pire (Sucker Punch), se sort de l’exercice avec difficulté.

Noyauté par les mémos des producteurs et du département marketing de Warner, Batman V Superman souffre clairement du syndrome « qui trop embrasse mal étreint » puisque non content d’essayer d’être la suite de Man of Steel (2013), il introduit le « nouveau » Batman sous les traits de Ben Affleck, caméote Wonder Woman, tease tous les futurs membres de la Justice League et amorce un arc scénaristique dans un vaste univers menacé par un nouveau méchant; le tout avec la finesse d’un mammouth beurré au mescal. Ça fait beaucoup d’indices, de personnages secondaires, de scènes cryptiques avec des rêves et des voyages temporels pour un film censé se concentrer sur deux héros emblématiques. On sent que, ayant des années de retard par rapport à Marvel, DC a décidé de mettre les bouchées doubles pour introduire le maximum de nouveaux personnages en un minimum de temps afin de préparer un raz de marée de films (Wonder Woman et Aquaman sont déjà en chantier) qui vont nous occuper jusqu’en 2020…si on ne meurt pas d’indigestion avant! Au moins Marvel avait pris le temps de présenter chacun de ces avengers avant de les lancer dans un gigantesque pugilat en 2012.

Ressemblant à une gigantesque bande-annonce, BvS s’avère assez bancal. Au-delà de la capacité de Snyder à faire de belles images (constante chez lui), son manque de subtilité, ses choix narratifs parfois étranges (Batman qui mitraille à tout va, marque ses ennemis au fer rouge), son pillage maladroit de trop de scènes du Dark Knight Returns de Frank Miller et de Death of Superman sans en saisir les enjeux ni en présenter correctement le contexte sont horripilants. Néanmoins, sa tentative d’insuffler une orientation adulte à son métrage est tout à fait estimable (Christopher Nolan est à la production, on se rappelle les touches malickiennes qui constellaient Man of Steel); certains de ses plans sont superbement iconiques et ses rares scènes d’action sont plutôt bien troussées car filmées sans ralentis gratuits et avec moins de shakycam qu’à l’accoutumée. La toute première scène du film qui montre un Bruce Wayne s’avançant au milieu des gravats  fumants de Metropolis pendant le combat entre Superman et Zod convoque une imagerie assez brutale du 11 septembre et est réellement impressionnante. Le casting quant à lui est excellent. Jeremy Irons joue un Alfred très distancié et ironique; Gal Gadot est parfaite en Wonder Woman et Jesse Eisenberg fait un cosplay de Max Landis tout à fait jubilatoire. S’il faut également louer la performance de Ben Affleck dans le costume du caped crusader, bien meilleure que ce que le bad buzz du net nous avait laissé croire, son Batman phagocyte beaucoup trop l’histoire et il ne reste plus que quelques miettes à Henry Cavill, Superman semblant en retrait par rapport à son homologue de Gotham. Pour un métrage de 2h30 censé être un Man of Steel 2, ça fait tout de même bizarre.
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En résumé, un blockbuster aux thématiques passionnantes, se prenant très au sérieux, qui essaye de jongler avec un peu trop de balles à la fois et qui, malheureusement, prépare sans ménagement le spectateur à tout un DC Cinematic Universe qui va sans nul doute me provoquer une remontée acide carabinée bien avant que la mode des super héros ne soit passée. Il ne mérite tout de même pas la volée de bois vert qu’il se prend. Soyons francs, c’est toujours bien mieux que les derniers films Marvel faits à la photocopieuse. Là.

Batman V Superman : l’aube de la justice
Zack Snyder (2016), sorti depuis le 23 mars
Écrit par David S. Goyer et Chris Terrio
Avec Henry Cavill, Ben Affleck, Jesse Eisenberg, Amy Adams, Gal Gadot, Jeremy Irons, Diane Lane, Lawrence Fishburne, Holly Hunter

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Fin de règne

A quelques mois de la sortie des souvenirs de Marnie (Omoide no Mânî de Hiromasa Yonebayashi, déjà responsable du très beau Arrietty, le petit monde des chapardeurs en 2010) qui sera certainement le dernier film du célèbre studio Ghibli, il est bon de revenir sur deux métrages sortis en 2014, films testaments des deux réalisateurs patriarches de ce mythique studio d’animation.

C’EST LA CRISE MA BONNE DAME
En 2014, Toshio Suzuki, producteur et tête pensante de Ghibli annonce que le studio va subir une restructuration drastique et que le département animation tel qu’on le connait aujourd’hui disparaitra dans les mois prochains. Cette terrible annonce implique que les derniers films en production des réalisateurs Hayao Miyazaki (74 ans) et Isao Takahata (84 ans) seraient leurs derniers…tout court. La fin d’une époque pour ceux qui ont donnés leurs lettres de noblesse à l’animation japonaise pendant pratiquement 30 ans de films cultes réalisés de façon presque artisanale.

Selon Quentin Tarantino, l’âge venant, aucun grand réalisateur n’arrive à retrouver l’état de grâce de sa jeunesse et à réaliser le film définitif, le point d’orgue de sa carrière, le chef-d’œuvre d’une vie. Au contraire: ça radote, ça pantoufle lamentablement dans des productions tièdes, souvent laborieuses et finalement le dernier film d’une carrière est souvent un étron indigne et maladroit. Il faut savoir prendre sa retraite avant de faire le film de trop et de finir comme Alfred Hitchcock ou Billy Wilder. Ce problème ne se pose pas pour messieurs Takahata et Miyazaki.

 

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UN CONTE DE LARMES ET DE NEIGE
Le Conte de la Princesse Kaguya
(Kaguya-hime no monogatari) est l’adaptation d’un des contes japonais les plus anciens jamais connu (le coupeur de Bambou) que Takahata cherche à adapter depuis la fin des années 50. Il raconte l’histoire de Kaguya, bébé découvert dans une tige de bambou et adoptée par un vieux bûcheron et sa femme. La petite fille grandissant à vu d’œil, ses parents sont convaincus de sa nature exceptionnelle. Ils déménagent en ville, deviennent nobles et tentent de la marier à un riche parti. Kaguya, évidemment, ne rêve que de retourner à la vie simple de la campagne et retrouver ses amis d’enfance, dégoûtée par les manigances de la cour et l’ineptie de ses soupirants.

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Loin des films empreints de fantaisie légère de son collègue Miyazaki, Takahata garde son goût du grave et de la mélancolie, comme dans ses productions précédentes (Le tombeau des lucioles, Souvenirs goutte à goutte, Pompoko) au travers d’une histoire de vie perdue et de deuil de l’enfance. Comme à son habituelle humilité, le cinéaste adapte son style visuel à son histoire, préfèrant se fondre dans le sujet qu’il traite plutôt que de lui imposer sa patte (voir aussi Mes Voisins les Yamada, chronique d’une famille japonaise ordinaire traitée sous la forme de sketches respectant le style simpliste et aquarellé du manga dont il est adapté). Le film semble être une estampe qui prend vie avec des décors esquissés, des personnages aux traits minimalistes permettant de véritables expérimentations visuelles et faisant cohabiter plusieurs styles (une scène en particulier, la fuite du palais, incroyable et viscéral moment d’animation expressionniste qui tranche avec tout le reste du métrage). Pessimiste, grave et beau; habité d’une tristesse infinie, ce film est une splendeur poétique, un ultime métrage magistral d’un grand monsieur de l’Animation injustement relégué pendant toute sa carrière (en tout cas chez nous) dans l’ombre de son ami Miyazaki.

 

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…IL FAUT TENTER DE VIVRE.
Pour son ultime long-métrage Miyazaki abandonne lui aussi les histoires enivrantes d’amour et de nature de ses derniers films pour boucler la boucle de son cinéma, abordant tous ses thèmes les plus chers, autopsiant son propre cinéma. Le vent se lève (Kaze tachinu) narre l’histoire de Jirô Horikoshi, trop myope pour piloter mais qui devient ingénieur aéronautique et crée les chasseurs Zéro de l’armée japonaise durant la deuxième Guerre Mondiale. Égoïstement, il refuse de voir que ses magnifiques aéroplanes finiront par apporter mort et destruction, galvanisé par son maître Giovanni Caproni qui lui apparaît dans ses nombreux rêves. Le parallèle entre Jirô et Miyazaki lui-même est évident. Ces deux créateurs possèdent la même flamme, la même méticulosité maniaque, la même vie empreinte de sacrifice pour l’amour de leur art. L’aviation et la maladie de sa mère (la tuberculose) sont des thèmes que Miyazaki a souvent abordé dans sa filmographie mais jamais de façon aussi frontale et si ses œuvres ont toujours baignées dans une ambiance quelque peu douce-amère, aucune n’a jamais été d’un pessimisme aussi dur (depuis peut-être l’opératique Princesse Mononoké en 1997).

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Si Le vent se lève est zébré de scènes de rêves d’un onirisme mélancolique, il est aussi le film de son auteur le plus ancré dans la réalité. Jirô est un témoin de la marche chaotique du monde qui préfère s’enfermer dans une bulle pour créer l’avion parfait sans trop s’appesantir sur l’utilisation qui en sera faite. La fin du film avec son cimetière de carcasses et son cortège céleste d’appareils tombés au combat rappelle la plus belle scène de Porco Rosso. Et aussi que la réalité rattrape les rêveurs. Testament amer et synthèse de tout l’imaginaire de Miyazaki, Le vent se lève est beau à en crever. La mise en scène et l’animation sont d’une maîtrise et d’une maturité hallucinantes.

En conclusion et pour faire mentir l’adage, alors que  la réalité a rattrapé les rêves d’un studio mythique, les adieux au Cinéma de leurs deux pères fondateurs sont des apothéoses bouleversantes. Des chefs-d’œuvre, quoi.

 

Et pour ceux que ça intéressent, voici mon top ciné de 2014.
1. Le vent se lève (Hayao Miyazaki)
2. The Homesman (Tommy Lee Jones)
3. Le conte de la princesse Kaguya (Isao Takahata)
4. Dragons 2 (Dean De blois)
5. Gone Girl (David Fincher)
6. X-Men Days of the future past (Bryan Singer)
7. The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson)
8. Le Hobbit: la bataille des cinq armées (Peter Jackson)
9. Nightcrawler (Dan Gilroy)
10. La grande aventure Lego (Phil Lord, Christopher Miller)


X-Men ou le blockbuser intelligent

On pouvait légitiment se contenter d’un haussement de sourcil dubitatif à l’annonce d’un nouveau X-MEN. Le monde est désormais rempli d’adaptations de comics structurellement mal foutus, vainement « cool » (et je mets les guillemets) et vides d’intrigues et d’enjeux qui suintent le merchandising et le mépris du spectateur par tous les pores. Ne surnagent de ce potage rance qu’une poignée de bons films, réalisés par des auteurs confirmés (voir notre top & flop).

Bryan Singer ne fait plus partie de cette caste depuis le naufrage de sa carrière suite à son SUPERMAN RETURNS tout mou et le bide cosmique JACK LE CHASSEUR DE GÉANTS. Son désintérêt flagrant pour la franchise dont il avait réalisé les deux premiers et meilleurs opus laissa le champ libre au  tâcheron Brett Ratner qui souilla la trilogie comme un chien mouille un tapis avec un X-MEN: LE DERNIER AFFRONTEMENT bancal (c’est un peu l’équivalent du RETOUR DU JEDI pour les X-Men. Tous les personnages cools meurent ou perdent leurs pouvoir). Par la suite la saga foira en beauté deux des histoires les plus emblématiques du comics, à savoir l’arc du Dark Phoenix et celui de l’arme X. Toutefois, récemment, Matthew Vaughn avait sauvé les meubles avec une préquelle élégante et fun X-MEN: LE COMMENCEMENT (ici), suivi par un spin off sympathique (WOLVERINE: LE COMBAT DE L’IMMORTEL) réalisé lui par James Mangold. Une petite lueur d’espoir luisait donc au loin à l’annonce d’un nouveau film, cette fois soutenu par la Fox (un budget aux alentours des 250 millions de dollars), assemblant le casting des deux époques (les jeunes James McAvoy et Michael Fassbender face aux patriarches Patrick Stewart et Ian McKellen) pour traiter une des sagas les plus culte et les plus appréciée sous la houlette du père fondateur enfin revenu du Tartare.

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La saga X-MEN est chère à mon cœur, parce qu’elle est la seule à étreindre sérieusement son sujet. Elle a été la première à prendre la voie de la maturité, reléguant les costumes fluos au profit d’intrigues plus adultes et noires et présentant des personnages humains, complexes et pétris de doute. Rappelons que la scène d’ouverture du premier X-MEN se passe dans un camp de concentration en Pologne en 44. Dès le début on sentait que Singer voulait aller plus loin que le classique film de divertissement enfantin avec des explosions partout.

Seulement, si Singer a eu dès le début des velléités de grandeur, il n’a pas pu en magnifier tous les aspects. Il est évident que si l’on revoit le premier X-MEN on sera autant touché par la profondeur de certains de ses héros mélancoliques que frappé par la mollesse de scènes d’actions par vraiment folichonnes et d’ absences évidentes (le fauve en particulier). Il semblerait que la Fox (encore elle) n’ait jamais cru au projet et que son directeur Thomas Rothman ait continuellement mis des bâtons dans les roues de Singer, orchestrant des coupes budgétaires impromptues et avançant la date de sortie du film de novembre à mai 2000. Pareilles méthodes furent appliquées sur X2, ce qui conduit Singer à faire un bras d’honneur et à quitter la production de X-MEN 3: L’AFFRONTEMENT FINAL pour aller voir si l’herbe n’était pas plus verte chez Warner. J’ajoute que l’absence des Sentinelles (seulement teasées lors de la première scène de X-MEN 3) provient du dégoût de Rothman pour les robots géants qu’il juge ridicules. Aujourd’hui il semblerait que la Fox aie fait amende honorable et, voulant certainement surfer sur la vague AVENGERS, fila une enveloppe bourrée de pesos et une belle carte blanche à Singer et ses scénaristes pour le nouvel opus des X-Men.

Mettons les choses à plat dès maintenant. X-MEN : DAYS OF THE FUTURE PAST est le meilleur film de la saga et peut-être bien le meilleur film de super héros/mutants/types à pouvoirs du monde. C’est la somme de tout ce qui est bon dans tous les films X-MEN. Ambitieux et humble à la fois, c’est un véritable coup de maître dont je n’aurais pas cru Singer capable.

Dans le futur, les mutants sont massacrés par des robots surpuissants nommés Sentinelles. Charles Xavier (Patrick Stewart) et Magnéto (Ian McKellen) envoient dans le passé Wolverine (Hugh Jackman) grâce aux pouvoirs de Kitty Pride (Ellen Page) afin qu’il prévienne les X-Men du futur horrible qui se prépare. Largué en 1973, Wolverine doit rallier Charles (James McAvoy) et Eric (Michael Fassbender) et empêcher Mystique (Jennifer Lawrence) d’abattre l’industriel Bolivar Trask (Peter Dinklage) dont la mort entraînera la fabrication en chaîne des Sentinelles qui éradiqueront les mutants.

Évidemment avec un pitch pareil, la porte était ouverte à un grand gloubiboulga temporel foutraque avec des caméos de mutants qui popent dans tous les coins pour assurer le fan service. Il n’en n’est rien. Le film se concentre sur une histoire, sans digression ou personnages parasites et installe des enjeux faramineux dès le départ avec ce futur dystopique à la TERMINATOR 2 où les mutants sont traqués par des sentinelles tueuses redoutablement coriaces (elles s’adaptent aux pouvoirs de leurs adversaires pour les contrer). Après un premier morceau de bravoure redoutable dans lequel se mélange les pouvoirs d’une demie douzaine de mutants, l’intrigue suit Wolverine envoyé en 1973. (Il est intéressant de constater que d’habitude les films qui utilisent le voyage dans le temps comme ressort scénaristique partent du principe qu’il suffit de tuer une personne précise dans le passé pour annuler un futur catastrophique. Là c’est l’inverse qui est proposé. Sauver la vie de Bolivar Trask empêchera la cristallisation de la haine contre les mutants et la fabrication des Sentinelles.)

J’avais terminé la critique de X-MEN: LE COMMENCEMENT par un vœu pieux. Le prochain film de la franchise sera une réussite s’il se concentre d’avantage sur la paire Magnéto/Professeur X et approfondit leur relation. C’est chose faite ici. Logan n’étant qu’un messager, le film se fixe sur un Charles Xavier de 1973 devenu reclus alcoolique et junkie (il a abandonné ses pouvoirs télépathiques pour pouvoir remarcher), en proie au doute et à la peur. Il est le pivot (comme Magnéto l’était dans LE COMMENCEMENT) d’un métrage aux accents tragiques où les personnages et leurs interactions sont traités avec intelligence et justesse.

L’action n’est pas en reste toutefois, le film étant ponctué de scènes jouissivement fun comme l’évasion du Pentagone qui nous présente les pouvoirs de Vif-Argent, et d’autres comme l’attaque de la cachette des X-Men par les Sentinelles. Preuve que Singer, cinéaste plus préoccupé par les dialogues et les personnages (Yannick Dahan dit de lui qu’il fait du cinéma de papy) est capable de trousser des scènes d’action maousses et lisibles, ce qui est une rareté de nos jours.

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la démonstration des pouvoirs de Vif-Argent (sur « Time in a Bottle » de Jim Croce)

 

Ce DAYS OF THE FUTURE PAST, s’il ne s’inspire que lointainement du comics source (je ne sais pas, je ne l’ai pas lu mais il semblerait qu’il s’agisse du sentiment général sur le web) est néanmoins un grand film bourré de sincérité et de respect pour son univers et ses personnages, au scénario malin et maîtrisé de bout en bout, ancré dans l’histoire de l’Amérique (une scène de sauvetage au Vietnâm et un dialogue au sujet de Kennedy assez savoureux), nous rachetant ainsi de toutes ces itérations besogneuses torchés par des bureaucrates incompétents et des yes-men transparents qui ont pourri nos écrans ces dernières années. Au rang des déceptions, on pourrait arguer que le rythme est peu trop soutenu. Des coupes drastiques ont surement été faites (une est connue. Elle mettait en scène Anna Paquin) Par conséquent, une éventuelle version longue (croisons les doigts) permettra au film de mieux respirer et donnera peut-être au personnage de Peter Dinklage un peu plus de présence. Wolverine est aussi quelque peu sous-utilisé et ses débordements bestiaux toujours pas d’actualité mais ça, c’est une critique générale imputable à l’ensemble de la saga. Des défauts pardonnables au regard des énormes qualités du métrage.

DAYS OF THE FUTURE PAST charrie son lot de trous scénaristiques (inhérents au genre blockbuster spectaculaire) mais prend toutefois le temps qu’il faut pour expliquer et annuler les erreurs accumulées dans les histoires précédentes qui sont, il faut bien l’avouer, légion. Il passe aussi judicieusement sous silence les bourdes les plus irrattrapables. C’est tout le problème de la saga X-MEN d’ailleurs. En tant que première franchise de super-héros de l’ère moderne, elle a ouvert la voie au cinéma geek que l’on connaît (Spider-Man et consorts) mais elle a aussi avancée complétement à l’aveugle, caractérisant certaines personnages en dépit du bon sens et en s’enfonçant dans des trames scénaristiques en cul-de-sac au fil des années. La volonté de ne pas rebooter la saga mais de lui donner un nouveau souffle grâce à un casting plus jeune dans le cadre de préquelles qui font quand même partie du canon de la série (X-MEN : LE COMMENCEMENT, donc) était une initiative tout à fait respectable mais Ô combien casse-gueule.

Hé bien, grâce à son intrigue science-fictionnelle qui utilise le voyage dans le temps comme fil conducteur, Bryan Singer en profite pour ajuster son univers et opérer une sorte de reboot dans la continuité au travers d’une dernière scène magnifique qui m’a bouleversé. Une manière de dire « on sait qu’on a merdé mais on va se rattraper ». Mea Culpa louable pour un projet enthousiasmant qui aurait pu n’être qu’un énième blockbuster sans âme et qui est, au final, beaucoup plus: un vrai film qui restera dans les mémoires.

Days of the Future Past (2014)
de Bryan Singer
avec Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Halle Berry, Nicholas Hoult, Patrick Stewart, Ian McKellen, Ellen Page, Peter Dinklage

Captain America et la recette Marvel

Hé, non, on a pas lâché l’affaire. A MacBrains on continue bien à aller voir tous les films Marvel qui sortent, seulement vu le niveau d’indigence des bouzins depuis un certain temps, on était un peu accablés et pas forcément trépignants à l’idée d’écrire sur le sujet. Avec la sortie de Captain America: Le soldat de l’hiver de Anthony et Joe Russo notre motivation est un peu revenue. Un peu. Constat sur le run frénétique que pratique Hollywood avec les super heroes movies.

Avengers assemble

Avengers aurait dû être un accomplissement filmique révolutionnaire, un grand film choral mettant en scène la crème des super-héros dans l’un des blockbusters les plus onéreux jamais produits. Après cinq films de présentation pour chacun de leurs personnages, Marvel achevait sa « phase 1 » avec le plus grand pétard mouillé de l’histoire du cinéma. J’en ai encore mal à la tête.

Confié à Joss Whedon (Buffy contre les vampires, les gars…) le grand crossover épique qui aurait dû rabaisser Avatar au rang d’épisode de Joséphine ange-gardien ne fût qu’une vaste déception. Incapable de créer un enjeu quelconque, comme un antagoniste crédible ou une vraie menace, Whedon enferme le super cool Iron Man, le dieu nordique surpuissant Thor, Captain America fraîchement décongelé, le potentiellement super dangereux Bruce Banner, la super bien balancée veuve noire, le super heu…enfin Hawkeye, Nick Fury et Maria Hill dans un gros vaisseau pendant la moitié du film, leur faisant débiter des punchlines ineptes (« ce mec joue à Galaga ») dans des scènes même pas dignes de Friends et les obligeant à réparer une turbine de réacteur durant 20 minutes. Pendant ce temps-là, le grand méchant du film (Loki, le frère fielleux de Thor qui fait peur comme un marshmallow) accouche d’un plan génial: voler le cube cosmique d’Odin (appellé dans ce film le Tesseract) et préparer le terrain à une invasion d’aliens génériques en se faisant emprisonner puis en mettant en pétard et en rassemblant dans la même pièce les super-héros les plus puissants du monde, seuls êtres capables de lui casser la margoulette en deux coups de cuiller à pot. Ce qu’ils font. Inutile de dire que le happy end arrive rapidement et sans beaucoup d’efforts mais avec beaucoup d’incohérences (Hein, quoi? Bruce Banner peut devenir Hulk quand il veut?)

"Alors comme ça ton super plan c'est de rassembler les plus grands héros de la terre pour te casser la gueule..."

« Alors comme ça ton super plan c’est de rassembler les plus grands héros de la terre pour te casser la gueule? »

"..."

« … »

Ce film est néanmoins un vrai plaisir coupable mais qui tient plus de la comédie potache que du grand crossover épique ultime. Cruelle déception pour qui attendait ce film depuis l’épilogue de Iron Man en 2008…

La « phase 2 » que Marvel mit en route dès 2012 (vous avez compris le principe, hein. Entre chaque Avengers, Marvel produit un film sur chacun de leur héros dans une aventure séparée) avec Iron Man 3 et Thor 2: Le mondes des ténèbres confirmèrent mes pires craintes: malgré la présence de pointures du scénar (Shane Black sur Iron Man) ou d’artisans capables (Alan Taylor sur Thor), les films Marvel ne sont au final que de médiocres actioners affreusement génériques et bas du front, à la production design paresseuse et aux concepts racoleurs jamais traités, incapables de faire plus qu’effleurer la psychologie et les fêlures de leurs personnages (chose que les comics ont réussis à faire depuis longtemps avec, par exemple, l’alcoolisme de Tony Stark).

Pire que ça, et là, à mes yeux c’est un pêché mortel: Marvel est totalement incapable (ou s’en fout complétement, c’est aussi possible) de rendre son univers cohérent. Chaque film est cloisonné et aucun super-héros ne viendra prêter main forte à un collègue dans un film qui n’a pas son nom sur l’affiche. Même si l’intrigue le permet, voire l’exige, aucune intervention du S.H.I.E.L.D. dans Iron Man 3. Jamais, alors que l’on parle de malveillance informatique, de clé de cryptage et d’armes de guerre super sophistiquées dans le nouveau Captain America on ne pensera à appeler Tony Stark dont c’est le domaine d’expertise. Que fout Oeil de Faucon entre deux Avengers? Personne ne sait. Il doit gagner des prix à la foire d’archerie de Saint-Alban-sur-Limagnole, qui sait.

On est donc fortement abattu à MacBrains avec cette formule « happy meal for kids » qu’on nous ressert à tout bout de champs. C’est la paupière tombante, traînant les pieds et pestant contre la 3D imposée que nous sommes allés voir Captain America: Le soldat de l’hiver. Quelle ne fût pas notre surprise de découvrir un film qui, s’il n’est pas un chef d’œuvre (oulà, faut pas déconner non plus!), s’avère être une très bonne surprise et l’une des toutes meilleures livraisons de la maison à idées.

(Pardon pour cette exposition particulièrement longue et fastidieuse)

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America, f**k yeah !

Steven Rogers, super soldat boy scout patriotard congelé à la fin de Captain America: The first Avenger (lire la critique ici) est réveillé 70 ans plus tard par la super unité d’espionnage du S.H.I.E.L.D. Le pauvre est bien marri puisque tous ces amis sont morts, la guerre est finie depuis perpète et au 21ème siècle il est bien plus difficile de savoir qui sont les gentils et qui sont les méchants…sans compter qu’il a du retard à rattraper au niveau télé (25 saisons d’Amour, Gloire et Beauté et tout 17 ans et Maman sur MTV). Après le événements d’Avengers, Captain America travaille désormais pour le S.H.I.E.L.D. mais découvre rapidement que cette organisation à un côté sombre…

Dans un monde post-onze septembre où l’on ne peut plus reconnaître ses ennemis à leurs uniformes, au milieu des conglomérats économiques, des magouilles politiques, des agents doubles, des drones, du cyber-espionnage et du terrorisme, toutes les frontières sont brouillées. Quand le S.H.I.E.L.D. se propose de prévenir le crime avant que celui-ci ne soit commis, s’agit-il encore de sécurité nationale ou de terreur à la Minority Report? Steve Rogers est en proie à un dilemme éthique. Que peut faire un type seul, armé d’un bouclier et d’un costume d’Halloween contre le monde moderne? Où est sa place? A qui peut-il faire confiance et en quoi peut-il croire?

Le métrage des frères Russo (connus jusque là pour leur travail tv tels Community ou Arrested Development) ne passe que superficiellement sur à peu près toutes ses thématiques…mais c’est toujours mieux que rien.

Plutôt que de proposer des péripéties légères et teintées de vannes comiques, Captain America: le soldat de l’hiver joue plutôt la carte du thriller/film d’espionnage ce qui est une excellente idée. Mais l’action n’est pas en reste. Si Steve Rogers enquête (on dirait le titre d’un magazine pour ados des années 50), il assume aussi beaucoup mieux son statut de super héros que ses petits collègues qui tchatchent au lieu de distribuer des mandales (hum hum Tony Stark). Le métrage est émaillé de scènes d’action nombreuses et assez jouissives avec des empoignades fluides et badass à peine entachées parfois par une shaky cam malvenue. Mention spéciale à la scène d’ouverture sur un bateau et à un pugilat très réussi dans un ascenseur. Seule la scène d’action finale, bourrée de FX bof et de grosses explosions, a un goût de réchauffé.

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« Ah mais heuuuu! C’est à moieuuu… »

Scénaristiquement, le film échoue à transcender son matériau de base mais fait l’effort honorable d’esquisser (comme ça, en creux, entre deux explosions) des émotions. Si, si. Il donne enfin un peu d’épaisseur au personnage de Natasha Romanov et plus de deux lignes de dialogues à Samuel L. Jackson pour faire exister Nick Fury. Il tente également une confrontation empruntée d’amertume et de nostalgie entre Cap’ et son doppelganger maléfique venu du passé, le fameux soldat de l’hiver. Certaines scènes ratées, telles les retrouvailles entre Steve et l’amour de sa vie, Peggy Carter (Hayley Atwell qui a piqué la prothèse faciale de Guy Pearce dans Prometheus) auraient pu être, sur le papier du moins, vraiment magnifiques.

Pas de surprises ébouriffantes donc, ni même de grands moments mais un des tout meilleur film de l’écurie Marvel…en tout cas le moins indigent depuis trop longtemps. les frères Russo, s’ils suivent un peu trop la « recette Marvel » instaurée par l’inepte Kevin Feige, s’en sortent avec les honneurs et ne bousillent pas la franchise (on ne peut pas en dire autant des collègues). Captain America garde sa dignité jusqu’au bout, sans doute grâce aux éléments amenés par le premier film, réalisé par Joe Johnston, qui n’était pas le sale étron racoleur et putassier qu’on veut bien nous faire croire.

Voilà, entre deux épisodes de Game of Thrones, vous pouvez clairement donner sa chance à ce soldat de l’hiver. En attendant qu’ Edward Wright (Shaun of the Dead, Hot Fuzz et le sublime Scott Pilgrim VS The World) n’appose son génie sur Hank Pym, alias Antman, le super héros qui rétrécit et qui parle aux fourmis. Des promesses…

Captain America 2: Le soldat de l’hiver (2014)
de Anthony et Joe Russo, avec Chris Evans, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Robert Redford, Colbie Smolders, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Frank Grillo, Toby Jones

The Cave

Le créateur des bons vieux jeux point ’n’ click Monkey Island et Maniac Mansion, Ron Gilbert est de retour! Par la petite porte, certes mais quand même. Par le biais de la societé Double Fine de son pote Tim Schafer (autre ex de chez LucasArts à qui l’on doit les non moins légendaires jeux d’aventures que sont Full Throttle, Grim Fandango ou encore Psychonauts et Brutal Legend), il nous livre un petit jeu fort sympathique uniquement disponible en ligne: The Cave.

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Vous dirigez un groupe de 3 aventuriers complétement loufoques parmi 7 (un moine sadique, des jumeaux démoniaques, un péquenaud amoureux, un chevalier couard, une aventurière narcissique, une scientifique tarée et une voyageuse dans le temps jalouse) partant à l’assaut d’une caverne mythique (et parlante. Si, si. Elle fait même la narration du jeu!). Pas vraiment des héros au sens classique du terme, puisqu’ils sont plutôt poussés par leur plus vils et égoïstes instincts pour trouver l’objet de leur désir.

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The cave se présente comme un puzzle-game avec quelques phases de plate-forme dans une superbe ambiance 2.5D chatoyante et cartoonesque. Il s’agit de trouver la sortie de plusieurs zones dont la sortie est bloquée. Chaque personnage a une zone qui lui est dédiée mais on traverse aussi des zones communes à tous. On ne peut pas mourir dans ce jeu, ce qui nous permet de tester toutes sortes de combinaisons car vos aventuriers devront souvent mettre en commun leur compétence respective pour triompher des énigmes qui parsèment la grotte (le chevalier peut devenir invincible, la voyageuse dans le temps peut se téléporter, la scientifique hacker les systèmes de sécurité etc…) Il y a donc plusieurs moyens de résoudre un problème selon le trio que l’on aura choisi.

Il faudra envoyer vos personnages dans 3 époques différentes pour triompher du niveau de la voyageuse temporelle

Il faudra envoyer vos personnages dans 3 époques différentes pour triompher du niveau de la voyageuse temporelle.

Alors évidemment, si bouger des caisses ou tirer des leviers vous provoque des poussées d’eczéma alors The Cave risque de vous rebuter quelque peu…mais si vous n’êtes pas insensible à l’humour cynique et absurde, vous ne pourrez que tomber sous le charme de l’écriture de Ron Gilbert. Ce jeu est court (environ 2h-2h30 pour arriver au bout mais il en faudra plus pour voir la fin avec chaque personnage), très fun et pas prise de tête (les énigmes ne sont pas vraiment compliquées). Le parfait petit jeu pour nous aider à patienter jusqu’au prochain blockbuster vidéoludique (Bioshock Infinite, où es-tu?)

Infographie – Mickey avale Yoda

Au lendemain du rachat par Disney de Lucasfilm (et, dans le même mouvement, de tout ce que George Lucas avait dans sa musette, à savoir Lucasarts, ILM, Skywalker Sound), le site Empire publie cette chouette infographie qui nous montre qui dévore qui à Hollywood. Les gros studios cherchant tous à s’accaparer les franchises les plus rentables, découvrez dans la poche de qui va la substantielle part du prix de votre billet de cinéma lorsque vous allez voir le nouvel épisode de votre personnage préféré.

Via Empire

le trailer de Bilbo le hobbit est …

…Sublime, tout simplement. En même temps, je n’en attendais pas moins du retour de Peter Jackson en Terre du Milieu. Seul petit problème: maintenant que j’ai vu ces images, cela va être encore plus dur d’attendre toute une année pour découvrir le film en salles. Damn! (via Empire)

The Hobbit : An Unexpected Journey – Official Trailer [HD]

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